Simone Mussat Sartor (Turin, 1972) lives and works in Turin.

After a background in the humanities and philosophy, he began working as an assistant in various artists’ studios, combining visual practice with a solid theoretical foundation from the outset.

Since the mid-1990s, he has pursued a dual career as an interior designer and visual artist, initially exploring video as his primary medium and, from 2008 onward, focusing his artistic research on photography. In 2006, he took on the creative direction of Born in Berlin, a brand dedicated to leather and fashion, which he co-founded with Judith Hohnschopp. In 2018, he co-founded the design brand Magdathome with Pierfranco Giolito, built on a concept centered around the interaction between iron and leather, within an essential and artisanal aesthetic vision.

Giorgio Ramella (Turin, 1939) is an Italian painter and printmaker, a significant figure in the artistic landscape of the second half of the twentieth century. After completing classical studies, he trained at the Accademia Albertina di Belle Arti in Turin, where he studied painting under Enrico Paulucci and printmaking techniques under Mario Calandri.

He made his debut in the 1960s with a group exhibition at Galleria La Bussola in Turin, where he exhibited alongside Ruggeri, Saroni, Soffiantino, and Gastini. In 1964, he held his first solo show at the same gallery. His early works, grouped under the title Incidenti (“Incidents”), were characterized by formal and material tension: deformed structures, metal, shadows—all within a dramatic and rigorously expressive context.

In the following years, Ramella pursued a more abstract approach, focused on the phenomena of light, and then returned in the 1980s to a form of figuration rich in symbolic and chromatic tension. One of his most important works from this period is the large Crucifixion from 1994, now part of the collection of the GAM – Galleria d’Arte Moderna in Turin. A trip to New York exposed him to urban graffiti, which influenced a new phase in his work inspired by primitive and cave art languages, featuring textured surfaces and evocative signs. His art has consistently sought a balance between compositional rigor, emotional depth, and historical layering.

Ramella developed and worked within a vibrant and complex artistic environment, influenced by international trends but also deeply rooted in Turin’s tradition of printmaking and formal experimentation. In the 1960s and 1970s, the city was a hub of intellectual ferment—from Arte Povera to new figuration—in a constant dialogue between memory and innovation. Within this context, Ramella maintained an independent stance: close to contemporary movements but never fully aligned, he was capable of forging a personal language that reflected both the tensions of his time and a deep internal need for meaning and structure.

He has exhibited in prestigious Italian and international venues, including the Rome Quadriennale, the Venice Biennale of Printmaking, the Castello di Rivoli, the Museum of Modern Art in São Paulo, and the Complesso del Vittoriano in Rome. In addition to painting, Ramella created several mural works, including one in 2003 for the MAU – Museo d’ Arte Urbana in Turin. In 2017, two of his works were featured in the exhibition on Italian Pop Art at the GAM in Turin.

He currently lives and works in Turin, continuing his artistic practice with renewed creative energy.

La galleria Biasutti & Biasutti è lieta di presentare la mostra personale dedicata a Simone Mussat Sartor, “In assenza” (Torino, 1972).  Attraverso quattro nuclei tematici distinti ma interconnessi, Mussat Sartor costruisce un percorso visivo intimo e frammentato, che indaga la relazione tra corpo, spazio e percezione. Le sue immagini raccontano silenzi, catturano pause, aprono varchi tra ciò che è visibile e ciò che è appena suggerito.

Nel primo nucleo, il corpo si frammenta e si sottrae, riducendosi a dettaglio, a postura, a peso. Le gambe — separate dal volto, dalla narrazione identitaria — diventano anatomie anonime, superfici attraversate da tensioni silenziose: il desiderio, la vulnerabilità, la durata. Non c’è identità, ma traccia. Non c’è posa, ma permanenza.

Dal corpo si passa allo spazio: luogo del passaggio e della separazione. La finestra, soggetto e soglia insieme, è superficie che filtra, riflette, protegge o espone. Qui, Mussat Sartor si muove tra trasparenze e opacità. Ogni scatto suggerisce una distanza, uno sguardo che non può — o non vuole — oltrepassare. Guardare diventa un gesto ambiguo: voyeuristico o difensivo, affettivo o sospettoso. Le finestre non sono solo oggetti, ma condizioni percettive: dispositivi dell’intimità, del controllo, dell’immaginazione. Sono spazi liminali, dove l’osservazione si fa incertezza. Dentro e fuori si mescolano. Il visibile è sempre parziale, sempre riflesso.

Dalle soglie si entra negli spazi abitati: gli interni. Qui, il corpo riappare, ma resta decentrato. Figure umane sono colte in momenti di sospensione: un’attesa, un silenzio, un pensiero che le porta altrove. Lo sguardo non è mai rivolto all’obiettivo: si perde nel fuori campo o si chiude dentro. Gli ambienti non sono solo contesti, ma prolungamenti emotivi dei soggetti. Luoghi dove la presenza è filtrata dal tempo, dal ricordo, da una malinconia trattenuta. Ogni interno diventa uno stato mentale, un tempo immobile. Mussat Sartor restituisce una quotidianità muta, scavata, in cui l’immagine non illustra ma ascolta.

A chiudere la mostra, un ciclo seriale di Polaroid scattate in Iran durante un viaggio dell’artista. Le immagini, tutte realizzate dal finestrino di un’auto in corsa e sempre dalla stessa posizione, trasformano il gesto del fotografare in un rituale ripetitivo e meditativo. Frammenti di paesaggio urbano e rurale scorrono come un diario visivo, come visioni sospese, filtrate dal vetro, dal movimento, dalla distanza. Non è tanto l’Iran ad essere raccontato, quanto la condizione dello sguardo in viaggio, costretto ai margini, ma profondamente partecipe. Ogni scatto è un esercizio di attenzione e limite. Non si tratta di conoscere un luogo, ma di sostare in quel punto di vista obbligato, tra dentro e fuori, partecipazione e separazione.

Uno sguardo che non possiede, non indaga, ma si lascia attraversare — ancora una volta, interrotto.